滇西1994高考收官，六月迎来属于每个耀眼灵魂的毕业季！青春的故事从校园中输送而来，这一次，上海时装周最年轻的来自高校的时尚力量在此发声，在“自由生长”中书写中国新生代设计力量：2025秋冬上海时装周期间，东华大学服装与艺术设计学院的新锐设计师们携作品再度亮相“The Next新势力”院校毕业作品发布平台，以“自由生长”为主题，展现前沿设计理念。

　　“新锐东华2025”不仅是一场毕业设计的展演，更是一次关于未来时尚的宣言。

　　正逢“新锐东华”十周年之际，东华大学服装与艺术设计学院的两位院长回望其所创办的初衷：”源源不断地为中国时尚行业孵化出可持续的新锐设计师，同时培育出参与到国际对话的时尚行业领军者。“怀着对这一初衷的回溯与展望，一场关于过去十年与未来期许的对话就此展开...

　　“新锐东华”作为东华大学服装与艺术设计学院重点打造的“新锐设计师”培优项目，携手上海时装周“THE NEXT新势力”院校毕业作品发布平台，十年如一日地推动新锐设计力量的成长与展示。十年来，每年约10位来自服装艺术设计系、服装设计与工程系及服装与服饰设计中日合作方向的优秀设计新秀，凭借独特的灵感与创新表达，在这个舞台上诠释着中国新生代设计师对个性与未来时尚的多元想象。

　　“十年前我们设立‘新锐东华’，立足三个核心目标：第一，为东华优秀毕业生搭建作品展示平台，彰显人才培养成果；第二，体现东华大学作为时尚高校的行业话语权；第三，通过产学研联动，推动产业价值升级。”孙院长说道，“我们希望借助上海时装周这个国际平台，将最优质的设计资源和创业能量推向全球，助力中国时尚产业持续向前。”

　　十年，对于“新锐东华”来说，既是一个重要的节点，也是一个全新的起点。如今，中国已深度融入全球化共同体，不再是单纯的西方外延，也不是被动地参与，而是作为现代化和当代文化的重要贡献者，积极参与全球时尚的对话与塑造。

　　“时尚，作为全球化的重要现象与载体，具有直接的影响力。”在孙院长看来：“当然，时尚中会出现许多现象，但我们不能将现象等同于时尚本身。时尚拥有自己的学科内涵和坚实的学科基础。作为一个连接高校、产业、大众市场、品牌、行业乃至政府的综合性平台，上海时装周在这一生态中扮演着不可替代的角色。”

　　而“新锐东华”THE NEXT新势力项目作为上海时装周的重要组成部分，正是在这样一个全球化的时尚进程中，展示中国新生代设计力量，参与到国际时尚的共同塑造之中。

　　当我们问及——“新一代创意设计人才在这样的时代中肩负着怎样的使命？”，服装与艺术设计学院院长 孙捷给了一个出乎意料的回答——谈「使命」有点压力，但谈「热爱」刚刚好。

　　孙院长说道：“正因为有了热爱，它才会自然地成为我人生的重要部分。热情是最初的动力，能够让我们坚持下去、不断前进。当这份坚持和热情累积到一定程度，产生了真正的意义和价值，它自然会升华成一种使命感。这个过程不是一开始就背负使命，而是在不断实践中逐渐形成的。我想，这也正是我们的同学们希望传达的：先从热爱出发，让热爱成为推动他们成长和探索的力量。”

　　孙院长：首先，我们希望他们具备强烈的热情和激情，能够把设计真正作为一项事业去推进。学校阶段他们可能还不够成熟，但毕业后面对的挑战会更多。每个时代都有其独特的“宿命”，即那些不可避免的挑战。我们如今正处于一个快速变化的时代，特别是在人工智能浪潮下，物质向非物质的转变日益明显。最大的挑战之一，是数字化——如何让数字技术和智能科技融入服装产业，融入教学体系。对于设计师而言，除了要有审美、设计能力、创业意识和工艺技能，还必须掌握这些「非物质的手段」。这里我特别强调“手段”二字，因为这些工具是拓展创意边界、深化时尚表达的重要方式。

　　王院长：作为教育工作者，我们能做的，就是尽可能培养多样化的人才。确保学生的能力多元化：有的可以进入企业，有的成为设计师，有的能力卓越，可以直接做设计总监；有的选择创业，也有的可能不从事设计，他可以在时尚的行业当中做任何一个事情，如经纪人、主播等。只要是在时尚领域，都值得鼓励。所以，「多元化的人才培养」是我们非常重要的一个目标，这至少能让学生们「具备多样化的能力」，让他们能够多元生长。

　　左舰懿是东华大学20xx届毕业生，同时也是“新锐东华”项目的获奖学生之一。目前，她在上海从事 styling 时尚造型工作，用她对服装的热爱，继续延伸出属于自己的职业路径。

　　作为入选选手之一，在上海时装周的平台上展示作品，当时的心情如何？对未来有怎样的期待？

　　左舰懿：我的心情其实挺复杂的。首先当然是兴奋，因为我从大一开始就对上海时装周有种执念。当时还做过志愿者，我记得第一次去后台，看到“上海时装周”的logo，还和朋友拍了张照片发给他，觉得好像真的靠近这个行业了。而现在能站上这个舞台，像是四年前的那个愿望真的实现了。

　　但惶恐也是有的。因为一旦站上了这个舞台，就意味着要接受更多人的目光，大家都会看你做的东西值不值得被看。我也会担心自己能不能一直保持对服装的热情——不是只为了毕业作品努力一下，而是能不能真的把它变成一个长期坚持的事业。

　　做完“新锐东华”这整个过程，其实我从一个“P人”变成了“J人”。整个过程很辛苦，但也让我明白：原来认真投入一件事、最后获得回报的那个瞬间，是可以带来真正的成就感的。也是从那时候开始，我特别想尽快投入到工作中，想去迎接更多这样的挑战。

　　左舰懿：我当时的主题灵感来自莎士比亚的电影，名字叫《沙龙情史》。其实这个系列的核心是一个词：“矛盾”。比如说，它有很尖锐的部分，也有很柔软、女性化的东西；风格之间有冲突，但在我看来这就是人本身的复杂性。服装表达的是情绪，而情绪本身就不统一。

　　在技艺方面，我保留了很多传统手工的细节，比如一些立体剪裁、布料拼接的做法，同时也尝试使用了3D试衣这样的科技手段。所以它既是传统的，又是实验的。所以我觉得整个主题整理念都是比较偏矛盾的，就像我自己也在探索两个世界之间的平衡。

　　左舰懿：我一直很好奇一个问题：扎根在中国的年轻设计师到底该长成什么样子？他们做出来的东西到底应该是怎么样的？我们看了太多西方的品牌、潮流、风格，这些都是我们接触时尚的起点。但我也在想，如果我们是扎根在中国土地上的人，作为创作者，我们是不是应该有自己独特的画像？

　　我越来越觉得，创作其实是一种对成长环境的回应——我们长在这里，就一定会和西方不一样。我现在特别关注那些有“土地感”的品牌，能看得出来他们在讲自己的故事，而不是模仿别人的样子。我觉得这很打动我，也一直是我创作时在意的点。很多人说要“传承”，但我觉得“只传承没有意思，重要的是怎么创新”。文化的表达，应该是活的、有冲突、有想象力的。

　　左舰懿：希望东华永远都能保持这份对服装的热情。未来我也希望自己能做更多跨界的尝试，让这份热爱不断生长。

　　孙院长：这个问题的关键，在于“价值导向”。我们现在正在重构学院层面的人才培养路径。以前我们的教学聚焦在具体的物质层面，比如服装、配饰、单一产品的设计与制作。但我们现在可能会把整个领域作为一个导向，从中我会把「可持续的理念」应用进去，同时我们会面向「智慧化的产业转型」作为我们的聚焦，是一个系统性的思维转变。我们希望学生能站在更高的视角去理解“设计”——不仅是做出一个作品，而是要思考如何在未来社会中，通过设计创造价值。这种价值导向，本质上是一种更大的框架，也是在理念层面对教育的引导。

　　王院长：我也想补充一下，尤其是你刚才提到“使命感”。我觉得我们这个时代对年轻人灌输了太多关于使命的期待，反而让他们有了心理负担。作为教育者，我认为我们该做的恰恰是帮他们卸下“使命”的压力，让他们回到最本真的“兴趣”与“热爱”上来。

　　我们的专业名称虽然是“服装与服饰设计”，但时尚行业远不止于此。我们希望通过课程设置，让学生们真正去接触到这个行业的广度和多样性，去发现自己真正热爱的领域——你可以做设计师、进企业、创立品牌，也可以去做经纪人、主播、内容创作者……只要你在这个行业中找到属于自己的方向，就很好。

　　我们的课程体系一直在强调前沿性与多样性，我们会引入很多关于新材料、新技术、数字智能、可持续发展的内容，让他们有了解这个行业最前沿的可能性。同时，作为学校来说，就是提供学生更多的这样的一种机会，所以我们会通过很多的一些校企合作的课程，企业的定位都很不一样，这里面的每一个项目，都是一个真实的挑战，也是一次探索：你能否发现问题？你能否解决问题？你是否能提出自己独特的思考？让学生在解决具体问题的过程中，找到自身的价值感与存在感，也引导他们去找到自己独特的“生长点”。

　　我觉得这就是高校教育需要去做的事情，剩下的就是让他们自由成长，让他们在热爱中去成长，他们一定会成为这个领域非常优秀的一个人。

　　2025“新锐东华”以《自由生长》为主题，这一灵感源于对当下变革时代的敏锐洞察。在这个压力与疲惫交织的社会环境中，人们渴望突破束缚、寻求治愈，而这些新锐设计师选择以充满原始生命力的创意回应时代的需求。

　　他们的设计如光一般迅捷有力，冲破传统的维度与框架，在瞬息之间点燃创新的火花。新质，不仅仅是渐进式的改良，而是一种自由生长、颠覆常规的革新力量，这种力量以惊人的速度崛起，迅速占据主流，挑战人们对时尚的固有认知，带来超乎想象的惊喜。

　　刘盈杉：“自由生长”这一主题于我而言是能够采用不同的材料尽情创作出很多种的可能性，在原本材料的基础上打破固有印象，例如：麻袋材料通常的印象是破旧或粗糙的，而我通过麻袋为布料，以手工定型工艺与网眼面料做结合，呈现出麻袋本没有的华丽的效果。

　　《与稻草人共舞 Dancing with the Scarecrow》想要表达的理想状态是鬼魅且具有冲突性的，打破常规自由生长，这是我对这一主题的理解与表达。

　　刘盈杉：在时间规划方面的实践尝试与反思：时尚的最终呈现，远不止于美学层面的设计输出，更是需要环环相扣的落地规划。通过这一次参与上海时装周，在解决具体问题的过程中预先进入到成为一名服装设计师的状态，对于我来说，这次实践非常有收获。

　　你的作品《失重空间》如何回应“自由生长”这个主题？在设计过程中是怎样理解并体现这一点的？

　　张玺玥：我觉得“自由生长”对我来说，首先是设计师在创作上拥有越来越多的空间，能够更加自由地表达想法，不再拘泥于传统的方式或边界。在这次的设计中，我就尝试去突破一些固有的思维限制，追求一种更个性、更前卫的表达。

　　比如在整体设计语言上，我选择了删繁就简的策略，减少视觉上的复杂感，把重心放在面料本身的开发与研究上。我没有用传统的结构性材料像鱼骨、铁丝等，而是更多从面料自身的特性和版型结构的关系出发，去探索它如何在服装中自然地呈现出“失重”的状态。

　　你在配饰上使用了“陶瓷泥浆+布料纤维”的技艺方式，这个想法是怎么来的？有没有怎样的遇到挑战？

　　张玺玥：这个尝试其实是我在探索主题过程中慢慢想到的。因为我在思考“失重”这个状态时，突然想到了陶瓷泥浆从湿软到干硬的这个过程，它有一种可以“定格形态”的可能性。于是我就想，把这种状态运用在服装或者配饰上，是不是可以表现出一种失重下物体形变被瞬间冻结的视觉感。

　　但实现的过程确实挺难的。一方面是陶瓷领域本身在这方面也没有太多成熟的经验可以参考，大多数做法都比较基础；另一方面在实验过程中，我遇到很多技术挑战，比如泥浆调配不合适就会导致烧出来的东西完全塌掉，或者定不了型。后来我才找到一种配比相对稳定、适合数字建模表达的材料配方，才算慢慢解决这些问题。

　　张玺玥：我觉得是自己真正找到了材料语言和设计语言的结合点，并且在很“物理”的层面上表达了“失重”的概念。这对我来说是从以往的形式堆叠转向对“状态”的探索，是一次创作思维上的突破，也让我意识到，服装不仅是形态的展示，也可以是对物理过程和观念的捕捉与定格。

　　现在很多学生不像以往那样“一毕业就创业”，他们反而“很审慎”地规划自己的未来，你们怎么看待这种“冷静期”？

　　孙院长：我反而觉得，这是一个回归正常的现象。以前我们看到的快速成长、爆发式创业，其实是有点“拔苗助长”的状态，现在学生放慢脚步，开始更理性地思考自己的选择和方向，这不是退缩，而是冷静下来的自我厘清。其实是从一种“不正常”回归到“正常”了，没有任何事物是能一直保持这样爆发式地增长的。

　　现在有机会让大家静下来，让大家重新回归到内心，这个阶段他们会开始思考：我是否真的热爱这个行业？我想从事怎样的岗位？我是否具备必要的资源和条件去创业？创业从来不能仅仅只靠能力，更需要资源、渠道、团队，缺一不可。所以我认为，这样的“冷静”并不是消极的，而是他们在为下一步做准备——也许是就业，也许是未来的创业，但不再是盲目冲动。

　　所以我并不认为这个现象是消极的，相反我觉得这是一个积极的现象，不是所有人都要成为“最顶尖”，大部分同学还是正常化地进入到行业中去，关键就是他们要找到自己的角色并持续成长，这才是成功的。

　　王院长：我觉得这个时代需要冷静期，要让他们去卸下身上的包袱，所以这也是我们今年为什么我一直在强调“自由成长”的概念——我们确实看到，现在的学生压力很大，这种压力很多时候不是自己给的，是从家长和社会那里被传递过来的焦虑。所以这个概念背后其实就是要帮助学生卸下不必要的负担。

　　在我看来，学校要帮他们把这些压力去释放掉，当他们热爱生活了，他们有热情了，他们自然会去做自己喜欢的东西。我们现在做的，不是要求他们一定要马上成功，而是希望他们能在校园里得到喘息，找回那个愿意去探索世界、表达自我的自己。

　　这也是我们设定“自由生长”主题的出发点——让学生从焦虑中松绑，从生活中汲取热情，在热爱中找到方向。

　　王院长：热爱生活，展现自己。放下焦虑，轻装上阵，这才是属于这个时代年轻人的状态。

　　在冷静中认清方向，在实践中定义自己，在热爱中找到力量——这一代设计学子，正在以自己的方式，回应时代的期待，也回应内心的召唤。